Die Art Basel- und UBS-Studie attestiert dem Designmarkt jedoch eine Resilienz für die Periode 2023 bis 2025. Preise fielen im Vergleich zum übrigen Kunstmarkt kaum. Die Umsatzrückgänge fanden primär im hochpreisigen Segment statt. Die grossen Designgalerien kämpften mit hohen Fixkosten und Umsatzrückgängen. Der Markt verlangte nach Wandel, und neue innovative Galerien etablierten sich.

Ein Generationenwechsel bei der Käuferschaft zeichnete sich zusätzlich ab, etwas, das schleichend passierte, aber jetzt plötzlich die Designgalerieszene traf und neue Sammler aber auch Anforderungen schuf. Bei vermögenden Privatkunden (High-Net-Worth Individuals) stellen die Boomer (Geburtsjahr 1946 bis 1964) weiterhin jene Sammlergruppe mit dem stärksten Umsatz dar: Sie kaufen teure, aber wenige Werke. Umsatztechnisch folgen die Millennials (Geburtsjahr 1981 bis 1996), die mit 55%³ den Markt dominieren. Die experimentierfreudige Generation Z kauft am zahlreichsten, aber preiswertere Designobjekte und baut ihre Sammlungen kontinuierlich aus. Der Markt durchläuft eine Transition, die mehr Qualität und Innovation abverlangt – eine Chance für den gesamten Designmarkt.

Design etabliert sich als Wertanlage
Design ist aus der Randposition in das klassische Repertoire der Sammler getreten. Beschränkte sich die Designbegeisterung früher auf einen Nischenbereich und galt als Insidertipp, so interessiert sich mittlerweile ein breites Publikum für Design. Die Art Basel- und UBS Studie für 2025 zeigt, dass 20% der befragten Kunstsammler (High-Net-Worth Individuals) beabsichtigen, Design in ihre Sammlung aufzunehmen. Noch vor wenigen Jahren waren es unter 3%, welche Design in ihr Portfolio aufnehmen wollten. Diese Interessenten betrachten Design als unterbewertet gegenüber der klassischen Kunst bei vergleichbaren Qualitätsmerkmalen. Design gilt nicht mehr als Experimentierfeld, sondern als ernsthaftes Sammlergebiet und legitime Investition.Erst seit gut 35 Jahren hat sich Design als relevantes Sammelobjekt etabliert. Institutionen wie das Vitra Design Museum, das Centre Pompidou, das MoMA, Auktionshäuser wie Wright, Piasa, Christie’s, Phillips, Sotheby’s, und Messen wie Design Miami (seit 2005) legitimierten Design als Kulturgut. Der Markt hat jene Phase erreicht, in der Möbelobjekte zu sammelbaren Investitionen werden. Erzielten auf Auktionen zwischen 2000 und 2020 etwa 20 Designobjekte Preise über 1 Million USD, so haben allein in den Jahren 2024 und 2025 mehr als 20 Designobjekte diese Grenze überschritten. Eine bemerkenswerte Beschleunigung. Designobjekte von Eileen Gray, Jean Prouvé, Carlo Mollino, Diego Giacometti, Frank Lloyd Wright oder François-Xavier Lalanne, dessen Hippopotame Bar soeben einen neuen Rekord mit 31,4 Millionen Dollar⁴ erzielte, verdeutlichen diese Entwicklung exemplarisch.

Design erwies sich 2020 bis 2025 als krisenresistent. Während der Kunstmarkt zwischen 2022 und 2025 litt und ein Preisverfall zu erkennen war, stagnierten die Preise auf dem Designmarkt lediglich. Diese Resilienz macht Design für die Zukunft interessant und deutet darauf hin, dass die Nachfrage wächst und die Preise generell nicht überbewertet sind.

Das Investmentpotenzial von Chandigarhobjekten
A) Historische Relevanz und Marktposition
Das Design der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts bleibt wegen seiner historischen Bedeutung und Innovation einmalig. Diese Epoche stellt den Nukleus der gesamten Designtradition bis heute dar. Pierre Jeanneret und Le Corbusier gelten bis heute als das bedeutendste und prägendste Architektenteam unserer Ära. Diese Stellung ist historisch gefestigt und wird sich auch durch neue Designer nicht mehr relativieren lassen. Diese Tatsachen definieren die Relevanz und den Wert ihrer Werke.

Die Preise für Chandigarhobjekte haben in den letzten 30 Jahren eine eigene Dynamik aufgezeigt. Mit der «Neuentdeckung» kam es um 2005 zu einer Preisexplosion. In der Hype- und Preistreibereiphase, die Galerien zusammen mit Auktionshäusern kultivierten, erreichte ein «Office Cane Chair PJ-SI-28-A» einen Preis von 12.500 Dollar⁵ (heutiger Wert etwa 4.200 Dollar). 2015 wurde ersichtlich, dass viele Objekte nicht so selten wie behauptet waren, was zu einer Preiskorrektur führte. Das Aufkommen von Fälschungen trug zu Unsicherheiten bei und beeinträchtigte die Preise zusätzlich. Die Preise steigen seit einigen Jahren wieder kontinuierlich, nachdem die Fragen der Seltenheit geklärt sind und beim Thema der Authentizität klarere Vorstellungen bestehen. Objekte, die Seltenheit mit Nutzbarkeit verbinden, entwickelten sich besonders gut. Sessel aus Chandigarh etwa sind begehrt: Sammlerstück, Wohnobjekt und Statussymbol in einem.

B) Wertfaktoren und Investitionskriterien
Authentizität ist entscheidend. Unsicherheit schlägt sich bei Auktionen in zurückhaltenden Geboten nieder, während seltene Stücke mit gesicherter Provenienz Höchstpreise erzielen. Preise springen oder fallen, wenn Originale von Fälschungen nicht mehr unterschieden werden können. Die Bedeutung der Authentizität und Provenienz nimmt zu und macht aus, dass Design als Investition keinen Wertverlust erleidet. Zertifikate auf Blockchain-Technologie machen die Provenienz überprüfbar und nachvollziehbar. Diese Technologie, die erfolgreich bei Diamanten eingesetzt wird, um problematische Herkunft auszuschliessen, findet zunehmend auch im Designmarkt Anwendung.

Die Preisentwicklung hängt auch zunehmend von der Qualität der Restaurierung und der Patina ab. Bis etwa 2015 war Überrestaurierung nicht unüblich: Patina wurde ersetzt, Gebrauchsspuren eliminiert, die Oberfläche von ihrer Geschichte befreit. Solche Objekte verlieren heute an Wert, weil diese Eingriffe wichtige Authentizitätsindikatoren auslöschen. Die Prioritäten haben sich verschoben. Objekte mit reicher Patina und subtiler, behutsamer Restaurierung gewinnen stärker an Wert. Patina, Rost und originale Farbbemalung finden zunehmend Wertschätzung – eine Entwicklung, die sich verstärkt.

Die kunsthistorische Relevanz des Designers, die beschränkte Verfügbarkeit, die klare Abgrenzung originaler Erstauflagen von späteren Reproduktionen, all dies fördert die Wertsteigerung. Narrative Aspekte prägen den Wert in gleichem Masse. Entstand ein Mythos um den Gestalter oder das Objekt, so erhöht sich das Begehren und somit auch der Sammlerwert.

Schlussbetrachtung
Chandigarh-Objekte zählen zu den wertvollsten Sammlerstücken des Designs und haben ihre dauerhafte Relevanz bewiesen. Die stark steigende Nachfrage über alle Sammlergenerationen hinweg, das gewachsene Vertrauen in Design als Investition und die geschärfte Aufmerksamkeit für Authentizitätsnachweise schaffen stabile Bedingungen für den Markt und legitimieren den Wertzuwachs. Diese Entwicklung wird sich 2026 verstärken.

¹ Clare McAndrew, Survey of Global Collecting (Basel: Art Basel and UBS, 2025), 21.
² Tippinpoint, „Schweizer Stargalerist Iwan Wirth: Brechen die Geschäfte in Grossbritannien ein?,“ accessed December 27, 2025, https://www.tippinpoint.ch/artikel/78340/schweizer_stargalerist_iwan_wirth_brechen_die_geschaefte_in_grossbritannien_ein.html.
³ Clare McAndrew, Survey of Global Collecting (Basel: Art Basel and UBS, 2025), 46.
⁴ Sotheby’s, „Hippopotame Bar, Piece Unique,“ Important Design Featuring the Schlumberger Collection, 2025, https://www.sothebys.com/en/buy/auction/2025/important-design-featuring-the-schlumberger-collection/hippopotame-bar-piece-unique.
⁵ Phillips, „Pierre Jeanneret, Pair of ‚Office‘ Armchairs, Model No. PJ-SI-28-A,“ accessed December 25, 2025, https://www.phillips.com/detail/pierre-jeanneret/77818?fromSearch=pj-si-28&searchPage=1.

Fotos © Sotheby’s.

Diese Entwicklung der Blockchain-Zertifikate ist folglich keine technische Spielerei, sondern eine notwendige Antwort auf ein fundamentales Problem des Marktes, das sich besonders bei Chandigarh-Design zeigt. Sie haben nun ein physisches Zertifikat mit einem Link, die P! Galerie hat das Zertifikat im System, und zusätzlich ist es unauslöschbar auf einem Blockchain-Serversystem gespeichert.

Das Problem der fehlenden Dokumentation
Chandigarh-Möbel wurden nie im klassischen Sinne verkauft. Sie wurden verteilt, mitgenommen oder an Auktionen ohne klare Dokumentation versteigert. Originale oder eindeutige Kaufbelege existieren nicht. Die Provenienz basiert oft ausschließlich auf mündlicher Überlieferung, was diese Objekte besonders anfällig für Fälschungen macht. Erschwerend kommt hinzu, dass Kaufdokumente aus Indien verhältnismäßig leicht zu fälschen sind und auch öffentliche Institutionen leicht zu bestechen sind.

Die Blockchain als Lösung
Blockchain-Technologie ermöglicht erstmals eine unumstössliche, digitale Herkunftsdokumentation. Die Aufzeichnung kann nicht nachträglich manipuliert werden und wird ewig gespeichert. Selbst bei Verlust des physischen Dokuments oder einer Auflösung der Galerie bleibt das Zertifikat erhalten und abrufbar.

Was dokumentiert wird
Jedes Blockchain-Zertifikat der P! Galerie enthält eine umfassende Dokumentation: die Authentizität des Objekts, eine detaillierte Zustandsbeschreibung, Fotografien zur eindeutigen Identifizierung, die komplette Restaurationsgeschichte sowie die Expertise und Prüfung durch die Galerie. Der aktuelle Besitzwechsel zum Zeitpunkt der Zertifizierung wird festgehalten.

Wertsicherung für Generationen
Die Bedeutung dieser Zertifikate zeigt sich besonders bei der Weitergabe an Nachkommen oder beim Verkauf. Hier sind die Reputation der ausstellenden Galerie und die Vollständigkeit der Dokumentation entscheidend. Der Markt wird transparenter, Fälschungen werden erkennbar, und die gesicherte Authentizität führt zu einer nachhaltigen Wertsteigerung.
Mit diesem Schritt setzt die P! Galerie einen neuen Standard für den Umgang mit wertvollen Designobjekten, sodass diese nicht nur zur ästhetischen und geistigen Bereicherung dienen, sondern auch als Investition und Wertanlage eine gesicherte Zukunft haben.

Das Thema Furnier ist gesondert zu betrachten und hängt vom jeweiligen Objekt ab. Das dünne Furnier wurde auf Sperrholz verleimt, ist entsprechend fragil und wurde in den vergangenen siebzig Jahren häufig ersetzt. Auktionshäuser und renommierte Galerien akzeptieren den Austausch der furnierten Deckplatte, da dies Teil der Chandigarh-Realität ist. Art und Umfang eines solchen Eingriffs müssen im Zertifikat dokumentiert sein – was viele Galerien und Auktionshäuser versäumen. Bestehen Sie hier auf Transparenz.

Der Austausch von Polstern, Geflecht, Bezugsstoffen oder Schaumstoff ist Standard und beeinflusst den Wert nicht. Bei der Neulackierung von Metallteilen gehen die Meinungen jedoch auseinander. P! Galerie lehnt diese Praxis grundsätzlich ab; viele andere Galerien verfolgen einen weniger strengen Ansatz. Der Experte und Galerist Pedja Hadži-Manović sagt dazu: „Der Reichtum, die Tiefe und die Spuren von Gebrauch und Zeit in der Farbe sind essenziell für den Charakter, die Geschichte und den Wert eines Objekts. Ich halte neu lackierte Objekte für wertlos.“ Da manche Käufer eine optisch „präsentablere“ Erscheinung bevorzugen, kommen viele Galerien diesen Wünschen nach und lackieren die Stücke neu.

Ein Teil der Möbel wurde zwischen 1960 und 1985 repariert. Diese Eingriffe tragen heute eine eigene Patina und sind Teil der Objektgeschichte. Sie mindern den Wert nicht – im Gegenteil: Viele dieser Reparaturen sind handwerklich hervorragend ausgeführt und verleihen den Objekten zusätzliche Tiefe. Sie zeugen vom respektvollen Umgang mit den Möbeln in einer früheren Epoche. Entscheidend sind stets das konkrete Objekt, das Ausmaß des Eingriffs und die Art der Restaurierung. Vollständige Dokumentation ist nicht verhandelbar. Auch hier gilt: Transparenz ist zentral für Authentizität.

Zur zusätzlichen Stabilisierung werden Objekte mitunter demontiert und innenliegende Schrauben ergänzt. Diese Eingriffe sind funktional notwendig, müssen jedoch professionell ausgeführt werden, sodass sie von außen unsichtbar bleiben. Jedes Objekt erfordert eine individuelle Lösung, um Nutzbarkeit und Originalität in Balance zu halten. Die Möbel von Pierre Jeanneret erzählen ihre Geschichte über ihre Unvollkommenheiten. Alte Risse, Kratzspuren, abgenutzter Lack, Oxidationen durch jahrzehntelangen Gebrauch – dies sind die Fingerabdrücke der Authentizität. Angesichts der zunehmenden Zahl von Fälschungen ist es entscheidend, Objekte zu erwerben, bei denen der Nachweis der Authentizität nicht durch unsachgemäße Restaurierung ausgelöscht wurde. Es ist ratsam, den Charakter eines Objekts zu akzeptieren und manipulierte Stücke zu meiden, die auf den ersten Blick gefälliger erscheinen mögen. Bei P! Galerie werden tiefe Kratzer oder Löcher behutsam behandelt; sie sollen das Gesamtbild nicht dominieren. Ein Objekt soll als ganzheitliche Vision seines Schöpfers erfahrbar bleiben – inklusive seiner Narben.

Fragen Sie die Galerie stets nach allen Eingriffen und arbeiten Sie mit Häusern, die nachweisliche Erfahrung auf diesem Gebiet besitzen.

Auswahlprozess:
Pedja Hadži-Manović wählt beispielsweise jedes Objekt für P! Galerie persönlich aus und erwirbt ausschließlich unrestaurierte Möbel. In Indien sind Rechnungen offizieller Stellen und Provenienzdokumente leicht zu fälschen und genügen nicht den Anforderungen einer verlässlichen Herkunftsnachweiskette. Die visuelle Prüfung jedes einzelnen Objekts ist daher entscheidend: Sie legt den tatsächlichen Zustand offen und macht Manipulationen sichtbar. Restaurierte Stücke verlieren häufig wesentliche Indikatoren, weshalb jedes Objekt im unrestaurierten Zustand begutachtet werden muss.

P! Galerie legt besonderes Augenmerk auf die Oberfläche und ihre Qualität. Entsprechend meidet die Galerie Möbel mit geschliffenen Oberflächen, bei denen entscheidende Informationen unwiederbringlich verloren gegangen sind, ebenso wie die populären schwarz lackierten Chandigarh-Stücke, da dunkle Farbe Manipulationen verdecken kann. Im Gegensatz zu Auktionshäusern trägt eine Galerie die rechtliche Verantwortung für die angebotenen Objekte. Pedja betont, Galeristen müssten „paranoid“ sein – nicht nur zum Schutz der eigenen Reputation und der Kunden, sondern weil der Verkauf einer Fälschung Betrug und damit eine Straftat darstellt. Diese Haltung unterscheidet ernsthafte Galerien von vielen Vintage-Händlern.

Unser Restaurierungsansatz:
Restaurierung erfordert ein sensibles Gleichgewicht zwischen Erhalt und Nutzbarkeit. Der Wert dieser Sammlerstücke gründet auf ihrer Authentizität; Restaurierungen müssen daher minimal und respektvoll erfolgen. Ein Abschleifen ist grundsätzlich ausgeschlossen, da es den einzigartigen Charakter zerstören und genau jene Spuren tilgen würde, die Authentizität belegen. Kleine Löcher, feine Risse, alte Absplitterungen, Unregelmäßigkeiten und Insektenschäden – insbesondere an den Unterseiten – bleiben sichtbar. Galerien wie P! Galerie lassen diese Bereiche bewusst unangetastet.

Mit Jeanneret leben:
Dies sind antike Möbel, die für den täglichen Gebrauch entworfen wurden – mit einer Einschränkung: Geflechtsitze benötigen Aufmerksamkeit. Kissen werden empfohlen, um ihre Lebensdauer zu verlängern, auch wenn Pedja selbst darauf verzichtet.
Das reich patinierte Holz erweist sich als bemerkenswert widerstandsfähig. Neue Kratzer werden Teil der Geschichte und fügen sich unauffällig in die vorhandenen Spuren ein. Ein wenig Politur oder Beize kann sie nahezu verschwinden lassen. Beschädigte Teile lassen sich fachgerecht reparieren. In einer Zeit, in der beschädigte Objekte oft sofort entsorgt werden, tragen Chandigarh-Möbel eine Geschichte von Zerstörung und Reparatur in sich. Das ist ein wesentlicher Teil ihres Wertes.

1. Illegale Neuauflagen?
Anbieter wie Srelle (Belgien), Phantom Hands (Irland), Dimo (Irland), Klarel (USA), Objet Embassy (Niederlande) und viele andere überschwemmen den Markt mit Chandigarh-Möbeln und behaupten, das Erbe von Pierre Jeanneret zu ehren. Aber was sie verschweigen: Jeannerets Urheberrechte sind bis 2037 geschützt, und keiner dieser Verkäufer besitzt eine Lizenz. Ihre Rechtfertigung? Die Werkstatt in Chandigarh sei ein kollektives Projekt gewesen, bei dem alles allen gemeinsam gehörte; sie erzählen die Geschichte eines „Open-Source-Design-Ansatzes“. Demokratisch, fast edel klingend. Dabei ist es vollkommen falsch. Die Urheberrechte gehören den tatsächlichen Autoren – Pierre Jeanneret oder Le Corbusier. Nicht automatisch den Projektleitern oder Architekten, die unter ihrer Leitung arbeiteten, z. B. Balkrishna Doshi. Nehmen wir Eillie Chowdhary und den Library Chair: Da es vermutlich ihr Entwurf ist, gehen die Rechte an sie. Wenn sie Entwürfe in seinem Namen und in seinem Atelier ausführt, würden sie ihm zustehen.

Alle diese Anbieter handeln jedoch, als sei diese Frage irrelevant, als könnten sie sie einfach umgehen, indem sie es als kollektives Eigentum definieren. Sie arbeiten ohne Genehmigung, verstecken sich hinter einer romantischen Geschichte: dass diese Stücke in einer urheberrechtsfreien Zone existierten, weil geistiges Eigentum damals keine Rolle spielte, weil keine Urhebervereinbarungen zwischen mit den damaligen Schreinerateliers bestanden, oder weil sie „originale Techniken“ verwenden. Eine bequeme Fiktion. Indisches und westliches Urheberrecht existieren, um die Rechte der Autoren zu schützen und dies zu verhindern. Der Eigentümer von Jeannerets Nachlass schützt die Rechte einfach nicht. Niemand kümmert sich. Und die illegale Verbreitung geht weltweit weiter – von Belgien über Irland und die USA bis in die Niederlande – ungeprüft.

2. Cassina nennt Kopien einfach Hommagen
Cassina besitzt die Corbusier-Urheberrechte und hat Jahrzehnte damit verbracht, ihre „Originale“ zu bewerben. Sie haben ein Imperium auf Authentizität aufgebaut. Als sie die Rechte an Pierre Jeannerets Chandigarh-Möbeln nicht erhielten und die Situation zu kompliziert wurde, machten sie etwas Auffälliges: Sie kopierten sie trotzdem und nannten es „Hommage“.

Man spricht von Tribut, davon, Jeannerets Erbe zu ehren, vermeidet aber sorgfältig, zu erwähnen, dass die verkauften Objekte von Pierre Jeanneret stammen. Vergleicht man ihre Hommagen mit den Originalen – gleiche Grössen, gleiche Proportionen, gleiche Details. Keine wesentlichen Unterschiede. Dies sind keine Interpretationen, sondern Reproduktionen. Dasselbe Unternehmen, das Anbieter, die Le Corbusiers Urheberrechte verletzen, aggressiv verfolgt, tut nun so, als gelte das Recht nicht, wenn es profitabel ist. Sie haben eine lukrative Schlupflochstrategie gefunden: Wenn man die Rechte nicht bekommt, einfach Aneignung als Respekt umbenennen.

3. Betrug: Neue Stühle als Vintage-Originale verkauft
Während ein Markt sich auf neue Objekte konzentriert, gibt es einen anderen Markt von Galerien und Vintage-Händlern, die alte, authentische Pierre-Jeanneret-Stücke anbieten. Da diese wertvoll sind, existieren Betrüger, die brandneue Möbel künstlich altern lassen und als Originale der 1950er–1960er Jahre verkaufen – weniger als Urheberrechtsverletzung, sondern als kriminellen Betrug. Der Markt ist dabei durchaus innovativ.

Neue Objekte als Vintage zu verkaufen, ist strafbar und kann in der EU/USA zu Haftstrafen führen. Es gibt subtilere Betrügereien, bei denen beschädigte Teile ersetzt, aber nicht angemessen dokumentiert wurden. Jeder Teil wird als Original-Mid-Century präsentiert, ohne die Erneuerungen zu kennzeichnen. Galerien oder Vintage-Händler tun hier oft so, als wüssten sie es nicht, doch Unwissenheit schützt nicht vor Betrugsvorwürfen. Dies ist nicht nur unethisch – es ist kriminell.

4. Vintage-Originale
Vintage-Stühle aus der Chandigarh-Periode sind die authentischste Option. Im Gegensatz zu Neuauflagen oder Kopien sind sie genuine historische Objekte mit eigenem Wert. Während Reproduktionen sofort nach dem Kauf an Wert verlieren, behalten Vintage-Stücke ihren Wert oder steigern ihn.

Jedes Vintage-Objekt aus Chandigarh ist einzigartig. Kein Stuhl gleicht dem anderen exakt, diese Individualität verleiht Aura, die Massenware nicht erreichen kann. Neuauflagen wirken oft steril – perfekte Formen, makellose Holzoberflächen. Vintage-Stücke zeigen Patina, Gebrauchsspuren und subtile Verzerrungen, die ihre Geschichte erzählen. Wer technische Perfektion priorisiert, wird mit authentischen Stücken und ihren Unvollkommenheiten nicht zufrieden sein.

Der Preis ist ebenfalls relevant. Ein vintage schwebender Bürostuhl mit Rohrgeflecht kostet zwei- bis dreimal so viel wie eine Neuauflage. Bei Großprojekten wie Hotels erscheint der niedrigere Preis der Reproduktionen praktisch – dabei wird übersehen, dass Vintage-Stücke an Wert gewinnen, Kopien jedoch verlieren.

Selbst der Vintage-Markt birgt Risiken: Man könnte Premiumpreise für eine Fälschung oder ein stark restauriertes Stück mit ersetzten Teilen zahlen. Erfolg erfordert entweder Expertise zur eigenen Authentifizierung oder eine Galerie mit bewährtem Ruf.

Wie entscheiden?
Die Wahl ist nicht nur ein Vergleich der Optionen. Es gibt tiefere Fragen:

Die ethische Frage:
Ist der Schutz der Rechte des Autors wichtig? Da Pierre Jeanneret verstorben ist, profitieren die Rechteinhaber, nicht der Schöpfer selbst. Urheberrechte zu ignorieren ist unethisch, der Schaden erscheint jedoch oft gering – oft wird es als „Gentleman-Delikt“ betrachtet, ein bisschen Robin-Hood-Mentalität erleichtert die Rechtfertigung. Jeder Anbieter hat eine moralische Geschichte: Erbe schützen, Chandigarhs Vision respektieren, originale Techniken ehren, talentierte Handwerker unterstützen. Diese Marketingstrategien umgehen geschickt das Urheberrecht. Die Frage bleibt: Ist Urheberrecht immer etwas Gutes, das respektiert werden sollte, oder blockiert es als Monopol die Wertschätzung bescheidener Gestaltung durch Menschen mit kleinerem Budget? Die Antwort hängt stark von der Perspektive ab.

Die Qualitätsfrage:
Präzision der Form definiert hier keine Qualität. Entscheidend sind Proportionen, Nähe zur ursprünglichen Vision und die Schönheit des Ergebnisses. Holzfarbe, Textur und Balkendicke prägen den Charakter eines Stücks.
Die Patina ist der entscheidende Faktor – sie erweckt die einfachen geometrischen Formen zum Leben und definiert die Einzigartigkeit jedes Stücks. Dies berührt Walter Benjamins Begriff der „Aura“ bei der Frage nach Kunstreproduktionen. Ein authentisches Objekt mit Geschichte lässt uns mehr sehen, mehr projizieren, schafft eine andere Beziehung als eine Neuauflage oder Massenware. Aura und Patina machen Vintage-Stücke reicher – und sind kaum in Reproduktionen zu kopieren.

Die Preisfrage:
Manche sehen die Stühle als Investition, manche als Sammlerstück, andere achten nur auf Authentizität. Wer auf Budget achtet oder achten muss, findet in einer Neuauflage eine legitime Option – ein Weg, ein gewünschtes Objekt zu besitzen, ohne finanziell überfordert zu sein. Chandigarhobjekte werden so erschwinglich und sind nicht nur das Privileg des reichen Konsumenten. Die meisten Möbel waren als preiswerte Lösung für Chandigarh gedacht, so darf man ruhig kritisch sein, dass die Objekte plötzlich zum Luxusprodukt wurden. Es wäre wohl auch ganz im Sinne Pierre Jeannerets, dass sich jeder solche einen Stuhl leisten kann. Rechtlich korrektes Verhalten darf auch relativiert werden. Dass sich hier primär westliche Unternehmen und nicht die Handwerker bereichern, ist leider schade daran.

Am Ende geht es um Prioritäten. Was ist Ihnen wichtiger: rechtliche Klarheit, Wertsteigerung, ästhetische Seele oder erschwinglicher Besitz? Es gibt keine universell richtige Antwort. Wichtig ist zu verstehen, was man kauft, was man unterstützt und welche Kompromisse man eingeht.

Kuratiert von P! Galerie, formulierte die Ausstellung eine provokante These: Das überzeugendste Schweizer Design ist nicht durch das Befolgung moralischer oder ästhetischer Konventionen definiert, sondern durch seine Bereitschaft, diese zu unterlaufen. In den Worten des Galeristen und Kurators:

“Schlechtes Schweizer Design ist anständig und moralisch. Gutes Schweizer Design hingegen ist archaisch und radikal.“

Eine verborgene Genealogie
Die Ausstellung legte eine Parallelgeschichte offen – keine der Verfeinerung, sondern der trotzigen Direktheit, in der das Schlichte, das Grobe und das scheinbar Naive eine tiefere, archaische Tradition freilegen. Diese Tradition sucht keine Legitimation durch Dogma, Stil oder Intellektualismus, sondern durch eine spezifische Radikalisierung: eine kompromisslose Reduktion auf das Elementare.

Schweizer Design als Nicht-Design
Die radikalsten Schweizer Arbeiten entziehen sich jeder Kategorisierung. Technologie, Pragmatismus oder Funktionalismus sind relevant, jedoch lediglich als Rahmen. Schweizer Design verkörpert eine puritanische Moderne: die Ablehnung des Effekthaschens, die Ablehnung konzeptueller Überdetermination. Hier ist Design reine Reduktion. Bedeutung entsteht nicht aus formalen Entscheidungen, sondern aus dem Notwendigen. Das Archaische und das Primitive überwinden Fragen von Stil und Mode. Sie verhandeln nicht mit Trends und Haltungen; sie existieren jenseits davon. Hier wird Schweizer Design relevant und radikaler als die französische, italienische, nordische oder brasilianische Designtradition, die sich primär auf Stil, Ästhetik und Gefälligkeit konzentrieren.

Heute ist Design oft nur Dekoration
Es glänzt, es gefällt, es verkauft – doch es sagt nichts. Getrieben von Marktlogik oder Nostalgie produziert die Industrie stilistische Zitate statt Substanz, Effekte statt Experimente. Selbst Rebellion ist zur Marketingstrategie geworden. Design ist zu einer gut gekleideten, teuren Prostituierten geworden – ein Produkt einer aggressiven Industrie.

Aus diesem Grund präsentiert P! Galerie eine begrenzte Auswahl radikalen Schweizer Designs: Arbeiten, die sich verweigern, die herausfordern statt zu gefallen, und die die Fähigkeit des Designs zurückfordern, zu provozieren und zu befragen.

Werfen Sie einen Blick auf unseren Katalog (pdf).

Der Philosoph Walter Benjamin betonte den rituellen Aspekt der Kunst und die Tatsache, dass sie als Zugang zu unserem Unterbewusstsein fungiert – mit seinen Ängsten, Begierden und anderen Emotionen. Hier werden Kunst und Design intensiv.

Aber sie entwarfen für eine moderne Gesellschaft, die einen rationalen Ansatz suchte. Das widerspricht deinem Standpunkt.
Natürlich. Chandigarh war eine Stadt, die das Ideal einer modernen, rationalen Lebensweise verkörpern sollte. Doch ehrlich gesagt, waren ihre Gebäude nicht besonders funktional. Darum ging es nicht primär. Sie versuchten, ihre rationalistische Ideologie mit einem irrationalen, metaphysischen Moment aufzuladen. Le Corbusier definierte Architektur einmal als Dienst am Tier, am Herzen und am Geist (servir à la bête, et au cœur, et à l’esprit). Das ist ausgesprochen anti-rational und betont den animalischen Aspekt der Wahrnehmung. Hinter der rationalen Fassade existiert eine tiefere Schicht, die unsere Seele berührt und das Tier in uns weckt.

Ist das der Schlüssel zum Verständnis ihrer Objekte und Architektur?
Ich glaube ja, würde jedoch das Wort „Verstehen“ vermeiden. Kunst ist ein Medium, das mit Bildern arbeitet und vielfältige Sinneseindrücke erzeugt. Manche erscheinen unlogisch und sind nicht klar zu fassen – Design wirkt wie Kunst als kultisches Fetischobjekt. In sie projezieren wir unser Visionen, wie etwas von Ewigkeit, Leben, Tod, Freiheit, Reinheit, Grossartigkeit, Heiligkeit oder Richtigkeit. Ihre Abstraktion fordert uns auf, Fragen zu stellen, die durchaus existenziell sind. Am Ende geht es weniger um das Designobjekt selbst als um seine Fähigkeit, Emotionen oder spirituelle Ideen auszudrücken, die tiefer reichen als rationales Denken.

Kann ein einfacher Tisch wirklich eine solche Komplexität enthalten?
Ja. Andernfalls würde er uns nicht berühren. Der Konferenztisch wie auf den Abbildungen hier von Pierre Jeanneret wirkt banal. Doch gerade diese Rauheit bringt Radikalität zum Ausdruck und provoziert grundlegende Fragen des Seins. Dieser Tisch steht für das Elementare, alles Überflüssige wurde getilgt. Er weckt Neugier auf das Existenzielle oder auf das Unverdorbene. Hier regt Design zur Reflexion über uns selbst und unser Inneres an.

Sie glauben also, der Tisch offenbare eine tiefere Wahrheit?
Ja, in gewisser Weise – aber nicht so, wie man vielleicht denkt. Alles in Pierre JeanneretsPierre Jeanneret Design wirkt pragmatisch und ehrlich, doch Wahrheit im Design wie in der Kunst sind immer eine Illusion. In dem Versuch, wahrhaftig zu erscheinen, liegt ein faszinierender Widerspruch, den Jeanneret verstand und bewusst nutzte. Für den Bibliothekstisch entwarf er beispielsweise eine sehr dick wirkende Platte, die den Eindruck eines massiven Blocks vermittelt. Blickt man jedoch darunter, erkennt man, dass nur der Rand dick ist, während der Kern dünn bleibt. Wahrheit und Illusion existieren gleichzeitig und verweisen auf ein bestimmtes Weltbild.